Corpo celeste

Es gehört Mut dazu, sich als italienische Jungregisseurin gleich in der ersten grossen Produktion kritisch mit der katholischen Kirche und ihrem Einfluss im modernen Italien auseinanderzusetzen. Alice Rohrwacher aber, die Schwester der Schauspielerin Alba Rohrwacher (Io sono l'amore), stellte sich der Herausforderung, liefert aber mit ihrem Debüt einen Film ab, der sich bestens als Beispiel für das polare Gegenteil "mutigen Filmemachens" eignet. Corpo celeste ist ein unsicheres, zimperliches Coming-of-Age-Drama ohne den nötigen Fokus.

Die 13-jährige Marta (Yle Vianello) stammt aus Kalabrien, verbrachte aber zehn Jahre ihres Lebens in der Schweiz und hat nur wenig Bezug zu ihrer alten Heimat. In dieser ihr fremen Welt, wo Bauruinen, ein trockenes Flussbett und ein halbfertiger Autobahnzubringer die Landschaft bestimmen, muss sie sich nun, nachdem sie mit Mutter und Schwester zurückgezogen ist, einleben. So fühlt sie sich nicht nur in der Schule als Aussenseiterin, sondern auch im Firmunterricht, der ihr aufgezwungen wird. Dieser wird von Santa (Pasqualina Scuncia) geleitet, die erhebliche Schwierigkeiten hat, die desinteressierten Jugendlichen für die Religion zu begeistern. Doch während ihre Kollegen wenigstens ein gewisses Traditionsbewusstsein haben – und sei es der Spruch "Man macht das in unserer Familie so" –, fehlt Marta jegliche Bindung zur katholischen Tradition und sie beginnt deshalb, ihr Leben selber in die Hand zu nehmen.

Das Ziel, das Alice Rohrwacher in Corpo celeste verfolgte, lässt sich anhand einer kurzen Szene, vielleicht sogar der stärksten des Films, nachvollziehen. Santa leiert Marta das katholische Glaubensbekenntnis herunter, dessen erster Teil auf die Frage "Glaubst du an Gott, unseren Erlöser?" hinausläuft. Nach kurzem Zögern antwortet der Teenager: "Credo". Ich glaube. Was folgt, ist heikler: "Glaubst du an die heilsbringende katholische Kirche?" Marta schweigt, Santa platzt der Kragen. "Credo!", ruft die Frau und schmettert die symbolische Ohrfeige eine Spur zu beherzt hinterher. Das Dilemma, das sich hier abzeichnet, ist schon seit Jahrhunderten eine der eklatantesten Schwächen der grössten christlichen Konfession: Wer steht im Mittelpunkt, Gott oder der Klerus? Und wo bleibt das Weltliche dabei? An dieser Schnittstelle zwischen Geistlichem und Weltlichem bewegt sich Rohrwacher. Sie zeigt in oftmals körnigen Handkamerabildern, wie der sehr an Lokalpolitik interessierte Pfarrer Don Mario, subtil gespielt von Salvatore Cantalupo, obwohl tief gläubig, trotzdem nach einer Beförderung in eine bessere Gemeinde giert; wie Santa versucht, das neue Jahrtausend in ihrem Unterricht mittels PC-Quiz und Popsongs Einzug halten zu lassen, ihre Schüler damit aber noch weiter von der Materie distanziert.

Verloren im Mezzogiorno: Die 13-jährige Marta (Yle Vianello) in ihrer neuen Heimat.

Dass dabei keine tiefer schürfende Kritik geäussert wird, dass die übergeordneten Problematiken von Katholizismus und organisierter Religion im Allgemeinen grösstenteils ignoriert werden, lässt sich dem Film nachsehen, da er sonst leicht hätte ins Dogmatische abdriften können. Störender wirkt Rohrwachers Art, die Thematik kritisch zu beleuchten. Auch wenn man die Frage nach der Existenz Gottes ausklammert, böte die Kirche, besonders die katholische, genügend Angriffsfläche für ein provokantes Drama zum tiefer werdenden Graben zwischen soziokultureller Realität und traditionsorientierter Religion. Corpo celeste mag Motive und Methoden von Zeitgenossen wie Don Mario hinterfragen, trägt damit aber Eulen nach Athen; die korrupten Auswüchse und der fehlende Bezug der Geistlichkeit zum Volk, speziell in Italien, sind wohlbekannte Phänomene, die schon in vielerlei Form breitgetreten wurden. Rohrwacher trägt nichts Neues zur Diskussion bei; ihre Provokation erschöpft sich in vagem Formalismus und zaghafter Symbolik – so etwa das bedeutungsschwangere Bild des im Meer treibenden klassischen Kruzifix, welches das Neonkreuz in Marios Kirche hätte ersetzen sollen. Eine schöne Komposition; aber ein anregender Gesprächsansatz sieht anders aus.

Und auch wenn man die religiöse Seite des Films aus der Gleichung nimmt, vermag Corpo celeste nicht recht zu überzeugen. Nicht zuletzt dank Yle Vianellos beachtlicher Schauspielleistung gelingt es ihm zwar, Martas bittersüsses Herantasten an emotionale Unabhängigkeit sowie ihre Verlorenheit im verarmten italienischen Süden zu illustrieren – auch wenn die Auswirkungen der Wirtschaftskrise in Daniele Luchettis La nostra vita weitaus besser, weil weniger schwarz-weiss, dargestellt wurden. Dem Ganzen fehlen eine Richtung und ein dramaturgisches Zentrum. Die Aufmerksamkeit des Zuschauers gilt abwechselnd Marta und Don Mario. Dahinter steckt wohl die Absicht, ausgewogen zu sein, beiden Seiten des Konflikts ein Gesicht zu geben, aber leider wird dabei auf keine richtig eingegangen. Vielmehr resultiert daraus eine nur oberflächliche Beziehung zwischen Charakteren und Kinogägern; beide Figuren, Marta etwas weniger, Mario etwas mehr, bleiben einem fremd.

Blinder Glaube: Santa (Pasqualina Scuncia) versucht, die Teenager für die Religion zu begeistern.

Es lässt sich nicht bestreiten, dass Corpo celeste, zumindest auf dem Papier, ein ambitiöses Projekt ist. Hätte Rohrwacher mehr Mut zum Risiko bewiesen und sich weniger von der Angst, religiöse Gefühle zu verletzen, leiten lassen, hätte ihr erster Film ein spannender und wertvoller Beitrag zur anhaltenden Diskussion um den in der Krise steckenden Katholizismus sein können. Am erforderlichen cineastischen Flair sowie an hochkarätigem Schauspielermaterial hätte es nicht gefehlt. So aber bleibt das Gefühl einer verpassten Chance.

★★

Un cuento chino

Obwohl in Argentinien Immigration verfassungsgemäss begrüsst wird, beträgt der Ausländeranteil des Landes lediglich um die vier Prozent. Die Volksgruppe der Chinesen wiederum macht von diesen insgesamt zwei Millionen Menschen nur 9'000 Personen aus. Und dennoch ist der neue Film von Sebastián Borensztein ebendieser Minderheit gewidmet – an der Oberfläche zumindest. In seinem Innern ist Un cuento chino eine feinfühlige Tragikomödie, eine melancholische Parabel auf die Einsamkeit und das Fremdsein in der Welt.

Roberto (Ricardo Darín) hat seinen Tagesablauf fest im Griff. Morgens isst er Brot, ohne die Rinde, und trinkt Tee dazu; danach begibt er sich in sein Eisenwarengeschäft, wo er sich über hochnäsige Kunden und fehlende Schrauben in den Fabriklieferungen echauffiert; abends kommt ein reichhaltiges Fleischgericht auf den Tisch; anschliessend blättert er sich durch einen Stapel Zeitungen; und um Punkt 23 Uhr löscht er seine Nachttischlampe. Gegen diesen Lebensstil, der in seiner geregelten Schlichtheit an denjenigen Phileas Foggs erinnert, kommt auch die hübsche Mari (Muriel Santa Ana) nicht an, die schon lange von diesem Einzelgänger fasziniert ist. Durch einen Zufall trifft Roberto auf den jungen Chinesen Jun (Ignacio Huang), der ohne Geld und Spanischkenntnisse in Buenos Aires gestrandet ist. Der mürrische Eisenwarenhändler nimmt den hilflosen Flüchtling bei sich auf, was seinen Alltag gehörig durcheinander bringt.

Im internationalen Geschäft wird Sebastián Borenszteins dritter Film mit dem irreführenden Titel Chinese Take-Away vertrieben, dem zwar eine gewisse Ambiguität innewohnt, primär aber an eine heitere Mischung aus Intouchables und Soul Kitchen denken lässt. Ganz anders der spanische Originaltitel: "Cuento chino" bedeutet wörtlich "chinesische Geschichte", umgangssprachlich "Lügenmärchen", wobei sich nicht nur erstere Bedeutung auf den Film bezieht. Scheinbar erfundene Mären sind nämlich Robertos grösstes und wohl auch einziges Hobby: Er durchforstet die Zeitungen der spanischsprachigen Welt, der zweitgrössten neben der – was sonst? – chinesischen, nach morbiden, tragischen, ungewöhnlichen, Hauptsache unglaublichen, Geschichten. In seinen Fantasien projiziert Roberto sich selbst in diese Nachrichten, wobei er sich dabei von seinem eigenen, von nicht vermeidbaren, aber nichtsdestoweniger schmerzhaften Tragödien gezeichneten Leben zusehends entfremdet und dabei gleichzeitig den Sinn für die Gegenwart verliert.

Ohne Worte: Roberto (Ricardo Darín) versucht herauszufinden, wo Jun (Ignacio Huang) hingehört.

So wird Borenszteins Protagonist zum Fremden in seinem eigenen Alltag, der sich mithilfe eines anderen Fremden, dem in einem für ihn unbekannten Land verlorenen Jun, selber wiederfinden muss. Diese Brücke zwischen persönlichem Drama und funktionierender Völkerverständigung ohne eigentliches Verstehen mag etwas umständlich geschlagen werden – entsprechend fallen ein paar Szenen aufgrund ihres Tonfalls etwas aus dem Rahmen –, doch es ist Un cuento chino hoch anzurechnen, dass er nie mit erhobenem Zeigefinger den Zuschauer zu belehren sucht, sondern die Geschichte selbst diese Aufgabe übernehmen lässt. Ohne übertriebene Emphase wird etwa gezeigt, dass es auch zwischen zwei Chinesen eine unüberwindbare Sprachbarriere geben kann; oder dass das Festhalten an einer Gewohnheit den damit verbundenen Schmerz auch stärken statt lindern kann – ganz im Stile von Stéphane Brizés bewegendem Je ne suis pas là pour être aimé.

Überhaupt herrschen hier die leisen Töne vor, so wie man es etwa aus den französischen Charakterkomödien eines Jean Becker (Dialogue avec mon jardinier, La tête en friche) kennt. Wunderbar das Zusammenspiel von Ricardo Darín, unauffälliger und eben deshalb noch eindringlicher als im Oscargewinner El secreto de sus ojos, und Ignacio Huang, welche beide auch in gegenseitigem Unverständnis hervorragend harmonieren. Auch die Komik lebt vom Understatement, ja meist sogar vom nicht geäusserten oder nur gemurmelten Wort. So bedarf es beispielsweise einiges Talent, Robertos endlosem Warten in der chinesischen Botschaft eine komische Komponente abzugewinnen, doch Borensztein als Autor und Darín als Darsteller meistern diese Herausforderung vorzüglich. Die Krönung dieses Witzes auf Kosten des berüchtigten Bürokratieapparates der Volksrepublik – Robertos hinreissende Tirade gegen die "Beamtentrottel" – ist ein Hochgenuss. Und diese auf bescheidene Weise enorm komische Szene bleibt, trotz der durchwegs aufrecht erhaltenen Ernsthaftigkeit, kein Einzelfall.

Auch Mari (Muriel Santa Ana) interessiert sich für Jun – und Roberto.

Sebastián Borenszteins vorangegangener Film Sin memoria (2010) war ein mässig erfolgreicher Thriller. Sein neuer zeigt, wo seine wahren Qualitäten liegen. Mit seinem feinen Auge für die Kleinigkeiten, die persönlichen Tragödien und Glücksmomente der kleinen Leute, und einem Sinn für subtile Erzählung ist er in der Disziplin der Tragikomödie bestens aufgehoben. Einige inszenatorische Aspekte mögen ihm noch nicht vollumfänglich gelingen; doch er hat noch genug Zeit, seine Technik zu verfeinern und zu perfektionieren. Wenn der lustig-melancholische Un cuento chino ein Indikator ist, dann ist Borensztein auf dem besten Weg dazu.

★★★★

The Pirates! In an Adventure with Scientists

Nicht einmal ein halbes Jahr ist seit Arthur Christmas, dem letzten Langspielfilm von Aardman Animations, vergangen, schon findet der nächste seinen Weg in die Kinos. Nicht nur ist The Pirates! In an Adventure with Scientists die erst die zweite 3-D-Produktion und die erste Literaturadaption des Studios aus dem englischen Bristol – als Vorlage dienten zwei Werke aus Gideon Defoes The Pirates!-Serie –, der Film markiert auch Aardmans Rückkehr zur klassischen Stop-Motion-Technik, welche hier erstmals seit Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit (2005) wieder zum Einsatz kommt. Wer die Macher von Creature Comforts, Rex the Runt und Wallace and Gromit kennt und liebt, wird auch an The Pirates! seine helle Freude haben.

1837. Die Welt gehört zu grossen Teilen der englischen Königin Victoria (Stimme: Imelda Staunton); sie steht an der Spitze eines Reiches, in welchem die Sonne niemals untergeht. Doch in der Karibik tummeln sich nach wie vor blutrünstige Piraten, welche der Monarchin ein Dorn im Auge sind. Einer davon ist Pirate Captain (Hugh Grant), der zurzeit nicht gerade vom Glück verfolgt ist. Mit seiner Crew – keiner davon mit Namen – segelt er von Misserfolg zu Misserfolg. Auf der Suche nach Gold und Edelsteinen entert die Bande zwar ein Schiff nach dem andern, doch die Opfer sind Schulklassen, Aussätzige und Geister – allesamt mittellos. Dabei braucht der Pirate Captain dringend ein Erfolgserlebnis, um den begehrten "Pirate of the Year Award" zu gewinnen und seine erfolgreichen Konkurrenten Cutlass Liz (Salma Hayek) und Black Bellamy (Jeremy Piven) auszustechen. Bei einem weiteren Fehlschlag liest die Mannschaft den Wissenschaftler Charles Darwin (David Tennant) auf, der den etwas zu dick geratenenen Papagei des Pirate Captain als Dodo identifiziert – den letzten seiner Art. Er erklärt seinem Entführer, dass diese Entdeckung bei der jährlichen Wissenschaftsmesse in London einiges wert wäre. Doch in der Hauptstadt der englischen Königreiches residiert auch die Piratenhasserin Victoria...

Die berüchtigte (?) Piratenbande unter der Führung von Pirate Captain (Hugh Grant, rechts).

Es ist eine altbekannte Tatsache, dass Kinder Piraten mögen. So erfreut sich vor allem die Pirates of the Caribbean-Franchise, trotz ihrer PG-13-Altersfreigabe, bei den jüngeren Zuschauern grosser Beliebtheit. Insofern ist es abzusehen, dass auch Aardmans neuester Streich – dank des Themas und des guten Rufs, kindergerechte Filme zu produzieren – zu einem Hit werden wird. Zudem hat sich gerade Aardman in der Vergangenheit dadurch hervorgetan, die Kleinen wie die Grossen zu unterhalten. Entsprechend überraschend ist es also, dass die grösste Schwäche von The Pirates! darin liegt, "erwachsenen" und auf Kinder zugeschnittenen Humor zusammenzuführen. So muten die eher für Kinogänger unter zehn Jahren vorgesehenen Witze stellenweise etwas gar plump an – Stichwort: "Yo" –, was in starkem Kontrast zum komödiantischen Tonfall, dessen britisch-pythoneske Absurdität den Film ansonsten prägt, steht.

Dies ist aber ein Einwand auf höchstem Niveau, da sich der von Aardman-Mitbegründer Peter Lord inszenierte und vom Buchautor Defoe selbst geschriebene Film durch eine besonders zu Beginn nicht abreissen wollende Kette von hervorragenden Gags – von Slapstick à la Laurel und Hardy bis hin zu hintergründigem, feinem Wortwitz ist alles vorhanden – auszeichnet. Seien es nun die "Namen" der Piraten (The Pirate Who Likes Kittens and Sunsets, The Surprisingly Curvaceous Pirate...), die abseitigen Kleinigkeiten, die es zu entdecken gibt, oder Charles Darwins herrlicher Affenbutler Bobo – The Pirates! ist ein einziges humoristisches Sperrfeuer. Die Technik ist bekannt: Ganz im Stile von Monty Python wird der Zuschauer mit jedem erdenklichen Witz bombardiert; dass dabei nicht alle ins Schwarze treffen, ist nur logisch. Darob kommt allerdings die Geschichte hin und wieder etwas zu kurz, besonders in den letzten zwanzig Minuten, in denen die Action das Kommando übernimmt, was aber aufgrund der wie gewohnt herausragenden Knet-Designs und der dazugehörigen Animation kaum stört. Darüber hinaus übertraf sich Aardman in Sachen Casting der Stimmschauspieler wieder einmal selbst. Man mag sich Hugh Grant nicht als bärtigen Seeräuber vorstellen können, doch in The Pirates! beweist er, dass er zumindest stimmlich dazu in der Lage ist. Sein Pirate Captain bewegt sich irgendwo zwischen seinen Rollen in About a Boy und Four Weddings and a Funeral, angereichert durch einen unwiderstehlichen Piratencharme. In der Nebenrolle des Pirate with Gout wiederum glänzt Brendan Gleeson mit seinem unverwechselbarem irischen Dialekt.

Charles Darwin (David Tennant) erkennt Schiffsmaskottchen Polly als Dodo – auf zur Wissenschaftsmesse nach London!

The Pirates! In an Adventure with Scientists mag etwas die Schlagkraft von Aardman-Meisterstücken wie Chicken Run oder Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit vermissen lassen, übertrifft aber mühelos den allzu braven Flushed Away, dank überwiegend erstklassigen Humors, toller Stop-Motion-Animation und stets überraschender Ideen – etwa derjenigen, den Soundtrack mit The Pogues, The Clash und Flight of the Conchords (!) zu bestücken. Ist man auf der Suche nach einem guten Piratenfilm, dann kann man Pirates of the Caribbean getrost links liegen lassen und sich das neueste Knetabenteuer von Peter Lord und Co. ansehen. Arrrr!

★★★★

Wrath of the Titans

Diese Kritik erschien zuerst in gedruckter Form in der Wochenzeitung Region.

In der altgriechischen Mythologie finden sich unzählige Charaktere und Abenteuer, welche sich ausgezeichnet verfilmen oder mit fantasievollen Eigenkreationen ergänzen liessen. Wrath of the Titans versucht Letzteres, scheitert aber formal wie inhaltlich.

Seit den Vorgängen in Clash of the Titans (2010; Remake des 1981 produzierten und, mit Ausnahme von Ray Harryhausens grandiosen Spezialeffekten, recht drögen Originals) sind zehn Jahre vergangen. Die Aufmerksamkeit des Halbgottes Perseus (Sam Worthington) gilt nach seinem grossen Sieg gegen den Kraken seines Vaters, Göttervater Zeus (Liam Neeson), ausschliesslich der Fischerei und seinem Sohn. Als aber sein alter Herr von dessen Bruder Hades (Ralph Fiennes), dem Gott der Unterwelt, gefangen genommen und seiner Kräfte beraubt wird, muss der Heros wieder zum Schwert greifen. Mit den neuen Kräften will Hades nämlich seinen und Zeus' Vater, den Urgott Kronos, aus seinem Gefängnis befreien, um die Welt ins Chaos zu stürzen. Hilfe erhält er dabei von seinem Neffen und Perseus' Halbbruder, dem Kriegsgott Ares (Edgar Ramírez). Nun liegt es an Perseus; seinem Vetter, dem linkischen Halbgott Agenor (Tony Kebbell), Sohn des Poseidon (Danny Huston); Königin Andromeda (Rosamund Pike); und dem alt gewordenen Schmiedegott Hephaistos (Bill Nighy), die Zerstörung der Erde zu verhindern.

Perseus (Sam Worthington) im Kampf gegen einen Zyklopen.

Grundsätzlich spricht überhaupt nichts dagegen, den griechischen Mythenschatz durch neue Geschichten und Figurenkonstellationen zu erweitern. Auch Homer und Hesiod, denen wir die Niederschrift vieler Sagen verdanken, sowie nachfolgende Autoren frönten antiker "Fan Fiction", indem sie die bekannten Gestalten aus der minoischen Kultur in abgeänderten Szenarien agieren liessen. Dennoch muten die Freiheiten, die Regisseur Jonathan Liebesman und seine Autoren sich hier nahmen, etwas übertrieben an. Dass Perseus und sein Tross auf die Zyklopen treffen, mag noch seine Berechtigung haben – immerhin sind die einäugigen Riesen Hephaistos' Schmiedegehilfen –, doch was der von Theseus erlegte Minotaurus in Wrath of the Titans verloren hat, lässt sich kaum eruieren. Überdies mussten sich einige Charaktere zu Hollywood-Stereotypen umfunktionieren lasssen, so etwa Agenor, beim antiken Historiker Herodot noch ein phönizischer König, der vom Drehbuch zum zwielichtigen und obendrein unlustigen Comic Relief degradiert wird.

Dabei hätte, abgesehen von derartigen und anderen, für Actionstreifen typischen, Ungereimtheiten, aus der Geschichte um schwächelnde Götter und den zurückkehrenden Kronos, die hier erzählt wird, durchaus eine ansprechende Fantasyposse werden können. Anfangs weiss das Ganze sogar einigermassen zu unterhalten, doch je länger der – verdankenswerterweise nur 100-minütige – Film dauert, desto weniger vermag man das nötige Interesse dafür aufzubringen. Gute Ideen wie die Einbeziehung des mächtigen Urgottes oder gewisse Designs verpuffen aufgrund lächerlichen CGIs – Bringt Ray Harryhausen zurück! –, nutzlosen 3-Ds, inferiorer Inszenierung oder, in Kronos' Fall, eines beleidigend simplen dramatischen Höhepunkts. Dazu passen die teils fast schon schmerzhaften Schauspielleistungen: Ralph Fiennes und Liam Neeson scheinen ob des grauenhaften Drehbuchs peinlich berührt und spielen nur in ihrem grossen Moment, der besten Szene des Films, inspiriert auf, während Sam Worthington einmal mehr eine gelangweilte Performance ohne jede Gefühlsregung abliefert. Einzig der hemmungslos übertreibende Bill Nighy sorgt für etwas darstellerische Unterhaltung. Möge die Franchise gestoppt und der Gnade Hades' überlassen werden.

★

The Hunger Games

Diese Kritik erschien zuerst in gedruckter Form in der Wochenzeitung Region.

Obwohl es sicherlich weniger dankbare Filmstoffe als die sehr cinematischen Hunger Games-Romane von Suzanne Collins gibt, blieben bis zur Premiere Zweifel an der Qualität von Gary Ross' Adaption. Die Befürchtungen haben sich nicht bewahrheitet; The Hunger Games ist ein durchschlagender Erfolg.

Eine unbestimmte Zukunft. Kriege und Naturkatastrophen haben Nordamerika verwüstet. Aus der Asche erhob sich Panem, ein totalitärer Staat, bestehend aus 13 Distrikten – zurzeit unter der Ägide von Präsident Coriolanus Snow (Donald Sutherland) –, und vom dekadenten Capitol aus gelenkt. Nach einem Aufstand wurde Distrikt 13 dem Erdboden gleich gemacht. Als Warnung an die restlichen zwölf finden jährlich die "Hunger Games" statt. Bei der sogenannten "Ernte" wird aus jedem Distrikt, nicht aber aus dem Capitol, je ein Junge und ein Mädchen zwischen zwölf und 18 Jahren ausgelost. Dies sind die "Tribute", welche sich anschliessend in einer künstlichen Naturarena gegenseitig bekämpfen müssen, bis nur noch ein Jugendlicher am Leben ist – während Panem sich das unterhaltsame Spektakel im Fernsehen ansieht. Als der Name der kleinen Prim Everdeen (Willow Shields) gleich bei ihrer ersten Ernte aus dem Topf gezogen wird, meldet sich ihre grosse Schwester Katniss (eine tolle Jennifer Lawrence) frewillig, sie zu ersetzen. Mit dem zweiten 12er-Tribut, dem Bäckerssohn Peeta (Josh Hutcherson), wird die versierte Jägerin von der Staatsangestellten Effie Trinket (Elizabeth Banks) und dem ehemaligen Hunger-Games-Sieger, dem versoffenen Haymitch Abernathy (Woody Harrelson), ins Capitol überführt, wo nach einem ausgedehnten Training die grausamen Spiele beginnen sollen.

Die "Tribute" Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) und Peeta Mellark (Josh Hutcherson) werden fernsehtauglich herausgeputzt.

Wie jede neue Vorstellung einer dystopischen Zukunftsgesellschaft mussten auch Suzanne Collins' Erfolgsbücher die ewig gleichen Vergleiche über sich ergehen lassen: George Orwell, Aldous Huxley und William Golding aus der Literatur, die Romanverfilmungen The Running Man (1987) und Battle Royale (2000) aus dem Kino. Tatsächlich weist The Hunger Games Ähnlichkeiten mit gewissen ikonischen Dystopien auf – Huxleys Brave New World, Goldings Lord of the Flies, Filme wie Terry Gilliams Brazil oder Fritz Langs Metropolis –, doch Gary Ross' dritten Film auf diese Vorläufer zu reduzieren, täte ihm Unrecht. Die Adaption steht mühelos auf eigenen Füssen und schafft es hervorragend, die Visionen von Collins, die auch am Drehbuch mitschrieb, wiederzugeben. Die praktisch unsichtbaren Effekte, Tom Sterns atmosphärische Kamera – obwohl in den brutaleren Momenten etwas allzu wacklig – und die überwiegend gelungene Austattung entführen den Zuschauer in eine faszinierende Fantasy-Welt, welcher der Bezug zur Realität aber zu keinem Zeitpunkt abgeht.

Überhaupt ist dies kein Film, der von seinen Schauwerten getragen wird. The Hunger Games ist ein Abenteuer, wo die fesselnde Story und die grossartigen Charaktere die treibenden Kräfte sind und von der (effizient eingesetzten) Action lediglich unterstützt werden. Katniss ist der emotionale Anbindungspunkt des Zuschauers: Sie ist eine starke, wenngleich unvollkommene Persönlichkeit auf der Suche nach Identität in einer gleichgeschalteten Welt – eine wahre Heldin, der man gerne durch die Hölle der Hungerspiele folgt. Vor allem, da sich die dekadente Spielleitung den Kinogänger geschickt zum Komplizen macht, indem sie seinen Voyeurismus gnadenlos aufdeckt. Selten verliess man eine Jugendbuchverfilmung dermassen fasziniert – bitte mehr davon!

★★★★

Take Shelter

Egal zu welchen verblüffenden Leistungen CGI und Makeup in Zukunft noch getrieben werden, die besten und effektivsten Filme aus den Horror- und Psychothrillergenres werden immer auf der subtilen Aufarbeitung von Urängsten und dem Schrecken der menschlichen Psyche aufgebaut sein. Einen neuerlichen Beweis hierfür liefert der junge amerikanische Regisseur Jeff Nichols, der 2007 mit seinem eindringlichen Familiendrama Shotgun Stories in der Indie-Szene für Aufsehen sorgte. Sein zweiter Film hat nichts von der Intensität seines Vorgängers eingebüsst. Im Gegenteil, Take Shelter glänzt durch eine sorgfältig aufgebaute, von faszinierenden Mystery- und Horrorelementen durchsetzte Geschichte, deren Atmosphäre tiefsten Unbehagens einen so schnell nicht mehr loslässt.

In Zeiten von Finanz- und anderen Krisen lebt Curtis LaForche (Michael Shannon) ein beneidenswertes Leben. Er ist glücklich mit Samantha (Jessica Chastain) verheiratet, ihre kleine Tochter Hannah (Tova Stewart) ist zwar hörbehindert, kann sich aber durch Gebärdensprache gut verständigen; sein Haus in der Suburbia einer Stadt im US-Staat Ohio ist ein Traum; und von seiner Arbeit als Bauarbeiter kommt die ganze Familie ansprechend über die Runden. Doch plötzlich wird Curtis Nacht für Nacht von apokalyptischen Träumen heimgesucht: Am Horizont braut sich ein gewaltiger Sturm zusammen, dem als Vorboten ölige Regentropfen vorausgehen. Sein ansonsten friedlicher Hund beisst ihm fast die Hand ab. Menschen wollen ihm und seiner Familie an den Kragen. Vogelschwärme fliegen in bizarren Formationen. Ohne Samantha davon zu berichten, begibt er sich in psychologische Therapie, denn er weiss um seine familiäre Vorbelastung: Bei seiner Mutter (Kathy Baker) wurde vor 25 Jahren paranoide Schizophrenie diagnostiziert. Getrieben von seinen Träumen und Vorahnungen, beschliesst Curtis zudem, den alten Tornadobunker im Garten auf Vordermann zu bringen. Doch wovor will er seine Familie beschützen – vor einem drohenden Sturm oder vor sich selbst?

Stürme und Gewitter sind eine Trope, welche in der Kunst schon seit Jahrhunderten eifrig als Metapher benutzt werden – am bekanntesten wohl in William Shakespeares The Tempest. In Take Shelter kommt dieser Symbolik eine interessante Doppelrolle zu: Einerseits steht sie als phyische Manifestation für Curtis' dunkle Gedanken, andererseits als reale Bedrohung seines glücklichen Lebens. Beides kann als Kommentar auf die Kehrseite des uramerikanischen Mantras, des "Strebens nach Glück", verstanden werden. Hat man einen gewissen Grad persönlichen Glücks erreicht, dann bringt das ganz von allein auch die Angst mit sich, dieses wieder zu verlieren. Entsprechend sind Curtis' Träume, selbst wenn der dräuende Sturm nicht im Zentrum steht, ganz vom Verlust geprägt; sei es der Hund, der ihn plötzlich angreift; die Zerstörung von Hab und Gut; das gewaltsame Ende einer Freundschaft; die fremden Hände, die sich zu keiner klar umrissenen Person zuordnen lassen, die nach Hannah und Samantha greifen. Take Shelter mag primär ein psychologisches Mysterydrama um einen Familienvater sein der den Tücken seiner Psyche anheim fällt, doch unter der fiktiven Oberfläche befindet sich Jeff Nichols' kraftvolle Abhandlung über ein Amerika, dessen Bevölkerung von Angst und existentieller Verunsicherung geprägt ist.

Curtis LaForche (Michael Shannon) sieht einen Sturm aufziehen – echt oder imaginär?.

Doch auch ohne den hochaktuellen Subtext vermag der Film zu überzeugen. Nichols konstruiert eine ruhige Atmosphäre, in der Bedrohung und Unruhe aber eindeutig spürbar sind, angeheizt durch die äusserst stimmige Musik, Adam Stones vielfach beunruhigend starre Kamera und die wahrlich beängstigenden Träume seiner Hauptfigur. In dieser Rolle verdient sich Michael Shannon, Hollywoods ewiger Nebendarsteller, der in Filmen wie Before the Devil Knows You're Dead oder Revolutionary Road für unvergessliche Momente sorgte, einmal mehr nur das höchste Lob. In den manchmal nur minimalen Bewegungen seines von tiefen Sorgenfalten durchzogenen Gesichts findet sich ein intelligenter, rationaler, eigentlich besonnener Mann, der von seinem erratischen Verhalten selbst am meisten gequält wird, sich selber aber aus sozialen wie finanziellen Gründen nicht helfen kann. Und obwohl er lange seine Fassung behält, zeichnet sich schon früh ein im Innern aufziehendes Gewitter ab, das, als es dann schlussendlich losbricht, umso intensiver wütet.

 

Neben Shannon, der, wenn er wie hier in Bestform agiert, in der Lage ist, seine Castkollegen an die Wand zu spielen, vor der Kamera zu stehen und in Erinnerung zu bleiben, fällt entsprechend schwer. Doch Jessica Chastain, deren Auftritt in Take Shelter übrigens ihr siebter (!) in einem in den USA 2011 erschienenen Film war und deren bisherige Leistungen, von The Tree of Life bis The Help, oft von der eher weniger subtilen Sorte waren, brilliert als Ehefrau Samantha, der die Sorgen und die Anstrengungen, die der Zustand ihres Mannes ihr bereitet, buchstäblich ins Gesicht geschrieben stehen. Ihr Blick, der die antiklimaktischen, mit stiller Fulminanz vorgetragenen Schlusssekunden einleitet, ist alleine Beweis genug für ihr beachtliches schauspielerisches Talent. Dass bei einer cineastischen Tour de force dieses Kalibers die Liste der Vorbehalte recht kurz ausfällt, überrascht also nicht. Wenn man Jeff Nichols überhaupt etwas vorwerfen kann, dann wohl am ehesten die Tatsache, dass sein Film mit einer Länge von zwei Stunden minimal zu lang ist, wodurch sich das Ganze stellenweise etwas episodenhaft anfühlt, was der Spannung aber niemals abträglich ist.

Bedrohtes Familienglück: Curtis mit Tochter Hannah und Frau Samatha (Jessica Chastain).

Auch wenn Nichols sich in Take Shelter oberflächlich auf anderes Terrain als in Shotgun Stories begibt, bleiben die übergeordneten Themen die gleichen: Existenzangst, Bedrohung, Familienwerte und -verhältnisse, das zeitgenössische "Heartland" Amerikas. Verpackt sind diese in einer fesselnden Geschichte, in der das Geheimnisvolle und das Bedrohliche in bester Poe'scher Manier mit maximaler Wirkungskraft eingesetzt wird. Wenn die Zukunft des amerikanischen Films von Leuten wie Jeff Nichols bestimmt wird, kann man sich zweifelsfrei darauf freuen.

★★★★